EL CUERPO TRAUMADO EN EL NO ESPACIO / OIHANE AMURRIO.
2.ENE.- 12.FEB.2021
El Cuerpo Traumado en el No Espacio.
Oihane Amurrio
¿Por qué El Cuerpo?
No sabía por qué pero estaba obsesionada con unas fotos que tenía en una carpeta escondida dentro de
mi ordenador. Con el tiempo las fui agrupando, no podía desprenderme de ellas. Aun así, eran fotos
fáciles, baratas e incluso sucias. Todas ellas me mostraban a mí en mi habitación, eran una parte de mi
intimidad la cual se revolvía al ser fotografiada.
Como apuntaba la artista Abigail Lazcoz revisando mi trabajo, decía que mi obra era esa obsesión, esa
búsqueda continua de saber quién soy, cual es mi imagen, cuál es mi lenguaje, si yo soy mi imagen y
mi lenguaje, cuál es la imagen de los demás, y el lenguaje de los demás, hasta qué punto soy yo lo que
es de los demás. Durante la exposición El Cuerpo Traumado en el No Espacio, se observan diferentes
representaciones de cuerpos donde se juega con la identidad y ficcionalidad de ellos.
¿Por qué El Cuerpo Traumado?
Esta es parte de un proceso, un análisis de sus límites. Estos límites son tanto físicos como
sociales. Hablamos sobre la evolución de su posición como mujer, como artista y mujer artista
en la sociedad.
(…)
Ella quería ser artista. Vivir como artista. Y entonces, empieza a comprender ser artista como
una profesión de creadora. Y se empieza a considerar artista. Esta decisión marca un antes y un
después en la toma de el control de su cuerpo. Pone comienzo o a su posición, es decir, ella se
bautiza, nace y nombra como artista. Hay un ser y un no ser. Dos conceptos que vuelven a
aparecer en esta obra como lo han hecho en otras. Su análisis sobre el cuerpo ahora es desde
una posición diferente que no para de evolucionar, ya que, se bautiza como artista cuando
identifica la posición del artista en el tiempo y el espacio que le corresponde. No es solamente
el genio que da norma al arte más allá de los principios de la naturaleza y la sociedad, no es un
ente abstracto y no se sitúa por encima de la cultura. Sino que se reconoce como parte de la
misma. Investigará cómo funciona esa participación, si el artista ídolo, símbolo o religión. Es
aquí cuando asume su responsabilidad respecto a su entorno. Es decir, al reconocerse como un
elemento social comprende su poder en el imaginario colectivo. (1)
¿Por qué en el No Espacio?
Siempre me ha llamado mucho el carácter ficcional de las galerías de arte, con las paredes tan blancas y
la atmósfera tan perfecta; neutras para no ensuciar la obra, intentando ser el No Lugar. Aun así en
dirección de la corriente de pensamiento de Bourdieu, el arte que se ha legitimado como tal, ha sido a
causa de agentes, elementos (como pueden ser capitales económicos, culturales, poderes políticos, etc.)
y contextos que así lo han propiciado. Me interesa remarcar ese contexto de la galería de arte como en
No Lugar que a su vez es El Lugar del arte. Me interesaba en esta ocasión desproveer a la performance del espacio de representación (2) para situarlo en un espacio neutro, adaptable, moldeable y construible, como era La Lonja.
En el Cuerpo Traumado en el No Espacio.
Milan Kundera escribió que La vida está en otra parte, aquí “el cuerpo está en otra parte”.
Aparecen los cuerpos construidos mediante unos trajes de látex, dónde no hay dualidad entre naturaleza
y humanidad, no son ni lo uno ni lo otro, y tampoco son verdad. El cuerpo en movimiento no entra en
el espacio como cuerpo, sino como imagen.
Me interesa como quedan las personas cuando juegan con la monumentalidad arquitectónica que suelen
tener las columnas. La figura humana se convierte en monumento. Entonces es cuando se puede ver la
construcción de la persona hacia ser personaje. Cuando se asemejan a columnas, juegan a ser
arquitectura, acentuando que están construidas. En ese proceso de mediación, de diseño, lo que me
interesa se pone de manifiesto: lo natural también está construido.
No sólo son esos cuerpos de las personas que presentan a la pieza los personajes, sino que yo, en mi rol
de artista, también lo soy. En ese tiempo desde que empieza la pieza hasta que acaba, es cuando me
construyo, y me pregunto: ¿Qué rol tengo como artista? ¿En el momento que se está mostrando la
pieza, en qué se diferencia mi construcción a la de los otros cuerpos? ¿Son esos cuerpos “yo”?
Esos cuerpos representan un “yo” mío y yo represento otro “yo” mío. Yo sola siendo incapaz de
representarme y doblegándome en “yo” y “yo”.
La monumentalidad es lo que construye al ídolo.
AGRADECIMIENTOS
En primer lugar me gustaría agradecer a Alba, Carmelo, Pepa y Ana por confiar en mi trabajo y darme
la oportunidad de desarrollarlo en La Lonja. Al equipo del Festival Actual por integrarlo en la
programación. A Kike y Anna, otra vez, por permitirme empezar con este proyecto. A Anzhelika, Jon
Ander y Alex por siempre prestar sus cuerpos. A Nasim por la interpretación de mi obra y creación de
la composición sonora. A Maialen por nuestras conversaciones y horas de reflexiones. A Jericho por el
apoyo y ayudarme a que cada vez lo haga un poquito mejor. A mi familia por estar siempre ahí.
NOTAS
1. Fragmento de texto escrito por Maialen Sánchez con motivo de la performance El Cuerpo Traumado en el Espacio (Labastida, Julio 2020).
2. La performance El Cuerpo Traumado en el No Espacio presentada en La Lonja, tiene como precuela la performance creada en
colaboración del Museo Artium El Cuerpo Traumado en el Espacio presentada en la localidad de Labastida en julio de 2020. En aquella
ocasión el espacio de las ruinas del convento de San Andrés de Muga eran parte esencial de la performance, ya que eran el hilo conductor
de la acción.
Texto: Oihane Amurrio
Fotos: Alba Sáenz de la Cuesta
